El cuarto mandamiento

Título original: The Magnificent Ambersons
Director: Orson Welles
Guión: Orson Welles, basado en la obra de B. Tarkington
Música: Bernard Herrmann
País y año: USA, 1942
Duración: 88 min.
Intérpretes: Joseph Cotten, Tim Holt, Dolores Costello, Agnes Moorehead, Anne Baxter, Richard Bennett, Ray Collins

Este es el segundo largometraje dirigido por Orson Welles, tras “Ciudadano Kane”, cumpliendo su contrato con la RKO. En él, se nos narra la historia de una familia pudiente norteamericana, entre finales del siglo XIX y principios del XX. La adaptación a los nuevos tiempos, la nueva clase emergente, la decadencia de una cierta burguesía, las tormentosas relaciones personales y familiares, todo forma parte de la trama de este film.

Si bien es cierto, que el resultado final que hoy vemos, no es exclusivo de Welles, debido a que el director tuvo que ausentarse al final del proyecto por diversos motivos (entre ellos un encargo cinematográfico del gobierno de F. D. Roosevelt) y por ello la productora pudo recortar unos cuarenta minutos del metraje original. Pero al fin y al cabo, se deja ver la mano del gran Orson Welles en este intenso melodrama familiar. 

Una habitación con vistas

Título original: A Room with a View
Director: James Ivory
Guión: Ruth Prawer Jhabvala, basado en la novela de E.M. Forster
Música: Richard Robbins
País y año: Reino Unido, 1985
Duración: 117 min.
Intérpretes: Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Denholm Elliot, Julian Sands, Simon Callow, Daniel Day-Lewis, Judi Dench, Patrick Godfrey, Rupert Graves

Adaptación correcta del clásico de E. M. Forster, en el que se nos narra la transformación en los sentimientos de la joven inglesa Lucy Honeychurch (Bonham Carter), durante unas vacaciones en Florencia.

Ivory realiza aquí una fiel versión de la novela. El retrato artístico de la ciudad de Florencia y de los campos de la Toscana es muy remarcable. A eso hay que añadir el correcto trabajo de los grandes actores que participan en este film, junto con la inolvidable banda sonora (el aria de Puccini, O mio bambino caro). 

U-Carmen e-Khayelitsha

Título original: U-Carmen e-Khayelitsha
Director: Mark Dornford-May
Guión: Mark Dornford-May, Charles Hazlewood, basado en la ópera de Georges Bizet
Música: Charles Hazlewood
País y año: Sudáfrica, 2005
Duración: 120 min.
Intérpretes: Pauline Malefane, Andile Tshoni, Zweilungile Sidloyi, Lungelwa Blou, Andiswa Kedama, Bulelwa Cosa

Otra vuelta de tuerca en la adaptación de una conocida ópera, en este caso, la famosísima “Carmen”, del francés Georges Bizet, basada a su vez en la obra de Prosper Mérimée. Muy interesante para el espectador, al trasladar el escenario de la obra, de la Sevilla de principios del siglo XIX, a los suburbios sudafricanos de la actualidad. Y en este aspecto, existe una íntima conexión, basada en gran parte en la marginalidad del ambiente y sus habitantes: ya se trate de los gitanos y contrabandistas españoles decimonónicos, o de los suburbios marginales con población de raza negra.

Por ello, si el espectador hace un mínimo esfuerzo, puede disfrutar sin que chirríe esta curiosa adaptación. En particular, hay que destacar a la actriz que interpreta a Carmen, cuya labor ensombrece, de alguna forma, al resto del reparto. Sin duda alguna, una película muy interesante. Por cierto, ganó el Oso de oro del Festival Internacional de Cine de Berlín. 

Moloch

Título original: Moloch
Director: Alexander Sokurov 
Guión: Yuri Arabov
Música: Vladimir Presov y Sergei Mochlov
País y año: Rusia, 1999
Duración: 103 min.
Intérpretes: Leonid Mozgovoy, Yelena Rufanova, Leonid Sokol, Yelea Spiridonova, Vladimir Bogdanov, Anatoli Shvedersky

La acción de esta película tiene lugar en Kehlsteinhaus, el famoso “Nido del Águila”, donde pasaban sus vacaciones Hitler y sus invitados. Durante la Segunda Guerra Mundial, Eva Braun está esperando en ese lugar a su amante, quien llegará con Goebbels y demás jerarcas nazis.

Esta película tiene la virtud de presentarnos la vida diaria de Hitler y otros personajes, en un momento importante de la Historia europea. Nos introduce en el entorno decadente y grotesco de un dictador decadente y grotesco. Las discusiones se suceden entre los diferentes invitados (Goebbels, Bormann…) en un ambiente de servilismo ante el Führer.

Se nos presenta un Führer megalómano, hasta cierto punto con conductas infantiles, que con su locura llevaría a Europa al desastre y la desgracia. Pero el marco que nos cuenta la película no es la guerra o los campos de concentración, donde se ve directamente la muerte de las personas, sino el palacete donde lleva a cabo su esparcimiento el dictador y sus aduladores.

No hay que olvidar que Moloch, en la religión fenicia, era el dios al que se le ofrecían sacrificios humanos. 

Sombras y niebla

Título original: Shadows and Fog
Director: Woody Allen 
Guión: Woody Allen
Música: Kart Weill
País y año: USA, 1991
Duración: 85 min.
Intérpretes: Woody Allen, Mia Farrow, John Malkovich, Madonna, Jodie Foster, Kathy Bates, John Cusack

Interesante homenaje de Woody Allen al cine expresionista alemán de los años treinta del siglo XX. Con una clara influencia de la magistral “M, el vampiro de Düsseldorf” (1931), de Fritz Lang, esta cinta nos narra la historia de una noche por las sombrías calles de una ciudad centroeuropea. Un enclenque personaje, interpretado cómo no por Allen, se ve abocado, a su pesar, a tener que perseguir a un enigmático asesino. Ni que decir tiene que se irá topando con personajes y situaciones a cuál más raro e inquietante.

Destaca esta película, en blanco y negro, por lo original de su concepción y puesta en escena, dentro de la filmografía de Woody Allen. Encuadres, personajes y sensaciones que nos retrotraen al cine expresionista, a los que se añade el particular sentido del humor del director neoyorkino. Un ambiente con ciertos rasgos kafkianos, en el que Kleinman (Allen) tendrá que buscar al misterioso asesino, sin saber muy bien cómo. 

La flauta mágica

Título original: Trollflöjten  
Director: Ingmar Bergman   
Guión: Ingmar Bergman, basado en el libreto de Emanuel Schikaneder    
Música: Wolfgang Amadeus Mozart    
País y año: Suecia, 1974   
Duración: 135 min.
Intérpretes: Joseph Köstlinger, Irma Urrila, Hakan Hagegard, Ulrik Cold, Birgit Nordin

¿Se trata esta obra de la filmación de una ópera, o de la “operización” de una película? Precisamente, este difícil deslinde y ambigüedad es uno de los valores positivos de esta cinta de Ingmar Bergman, creada para la televisión sueca. Si bien es cierto que en diversas ocasiones se han llevado óperas a su versión cinematográfica, normalmente en esos casos la propia obra musical se transforma en film, adquiriendo otro carácter. El ejemplo contrario sería la mera grabación de una representación operística.

Pero esta obra del genial director sueco, no es nada de eso. “La flauta mágica” de Mozart, y “La flauta mágica” de Bergman, aunque levemente, son dos distintos entes. En ocasiones, el film nos muestra de manera clara que se trata de una representación teatral con unos actores que son actores, distanciándose de este modo del original mozartiano. En otros momentos, la realidad del film es la realidad de la ópera.

Bergman era tanto un hombre de teatro como un hombre de cine. La película es una invitación al público para adentrarse en la mozartiana “La flauta mágica”, y cuanto sirva para acercarse es bienvenido: incluso se utiliza el idioma sueco (el del público al que iba dirigido originalmente la película) en vez del alemán del libreto, para que pueda comprenderse mejor. Se trastocan de posición algunas escenas. Con todo esto se consigue cautivar al espectador, que se siente atraído del principio al fin por la maravillosa música y por la trama. En pocas ocasiones puede verse una ópera de esta forma, y de una manera tan natural.

La escenografía (intencionadamente teatral) y la utilización de las luces y sombras (tan ligada al asunto de la obra) descubren al inmenso cineasta. Colaboran en ello un elenco de buenos actores, que sin ser excesivamente famosos, encarnan sus papeles de una manera muy convincente. Si a ello añadimos la música que compusiera Mozart, poco más se puede pedir. 

La tapadera

Título original: The Front

Director: Martin Ritt

Guión: Walter Bernstein

País y año: USA, 1976

Duración: 94 min.

Intérpretes: Woody Allen, Zero Mostel, Herschel Bernardi, Michael Murphy, Lloyd Gough, Remak Ramsay

Estupenda película, que describe la época de la caza de brujas en Hollywood. En los EEUU de los años cincuenta, numerosos profesionales del cine fueron acusados (injustamente) de deslealtad o traición a la patria (sin un proceso legal justo). Y acabaron en “listas negras”: estar incluido en ellas equivalía a no poder trabajar.

De todo ello da buena cuenta esta película, en la que unos guionistas, que están en la lista negra, deben recurrir a un testaferro (interpretado por Woody Allen) que será quien figure como autor.

Sin embargo, esta película da un paso más, y es que en su elenco cuenta con personas que estuvieron realmente en las referidas listas negras durante el macarthismo: desde el propio director Martin Ritt (acusado de que había donado dinero a los comunistas), hasta actores como Zero Mostel. Esto nos da una nueva clave para comprender su interpretación. 

Un día en las carreras

Título original: A Day at the Races

Director: Sam Wood

Guión: Robert Pirosh, George Seaton, George Oppenheimer

Música: Walter Jurmann, Bronislau Kaper, Franz Waxman

País y año: USA 1937

Duración: 111 min.

Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Margaret Dumont, Allan Jones, Maureen O’Sullivan, Sig Ruman

La segunda (y última) colaboración del productor Irving Thalberg (y su director Sam Wood) con los Hermanos Marx. Y se nota la mano de ese gran productor (uno de los mejores de la Historia) porque fruto de ella fueron estas dos películas (la otra, “Una noche en la ópera”), que para muchos son las dos cumbres de los Hermanos Marx.

Y es que era difícil poner algo de cordura en ese bendito desorden de los hermanos neoyorkinos. Numerosos gags, cada uno más hilarante que el anterior, que conforman esta película en la que Groucho y compañía intentan ayudar financieramente a la joven propietaria de un pequeño hospital. Aunque los números musicales alarguen demasiado la película y no aporten mucho, sigue siendo una estupenda obra llena de alguno de los mejores chistes de estos Hermanos. “En realidad soy veterinario, pero cásate conmigo y ya no miraré a otro animal”. 

El verdugo

Título original: El verdugo

Director: Luis García Berlanga

Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga, Ennio Flaiano

País y año: España, 1963

Duración: 87 min.

Intérpretes: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, Alfredo Landa, Antonio Ferrandis, Lola Gaos, José Luis López Vázquez

Dice el personaje que interpreta José Isbert: “si existe la pena de muerte, alguien tiene que aplicarla”. Esto nos introduce en la crítica, que hacen Berlanga y Azcona, de la España de ese momento y de la pena de muerte. En esa España en la que aún existe la pena de muerte, ésta se nos muestra como algo burocráticamente normal, pero al mismo tiempo tabú. Hipocresía de una sociedad que no reprueba la pena capital, pero que rechaza al personaje del verdugo.

Magníficas interpretaciones de José Isbert como el verdugo anciano que se va a jubilar, y de Nino Manfredi, como su yerno, que a regañadientes acepta el puesto que con tanto esfuerzo su suegro le consigue. También hay que señalar el resto del magnífico elenco de la obra. 

Una de las mejores películas del cine español, que retrata como pocas esa sociedad en blanco y negro.

Ordet

Título original: Ordet

Director: Carl Theodor Dreyer

Guión: Carl Theodor Dreyer, basado en la obra teatral de Kaj Punk

País y año: Dinamarca, 1955

Duración: 126 min.

Intérpretes: Henrik Malberg, Emil Haas Christensen, Birgitte Federspiel, Ann Elisabeth, Preben Leerdorff-Rye, Cay Kristiansen

Esta película es muy peculiar. Su imagen (blanco y negro) nos acerca más al mundo de la pintura del norte de Europa, y en especial la pintura flamenca, que a lo que estamos acostumbrados a ver en el cine. Pero lo más importante no es la puesta en escena ni la fotografía, aunque éstas sean magistrales, sino el ambiente en el que está sumergida la película, y en el que nos sumerge a nosotros mismos.

Un ambiente profundamente espiritual, religioso e incluso místico. El danés Carl Theodor Dreyer (1889-1968) fue adoptado por un matrimonio de honda religiosidad luterana, y ello ha dejado huella en su vida y en sus obras.

Con un ritmo y un lenguaje muy característicos del autor, la película nos lleva a lugares de nuestra alma de una manera muy interesante. Algunas secuencias, como las del hijo loco, que estudiaba para pastor luterano y se cree Jesucristo, conmueven profundamente. Muy interesantes las connotaciones cristianas y el valor de la fe, en esta película poblada de referencias evangélicas. 

Hamsun

Título original: Hamsun

Director: Jan Troell

Guión: Peter Olov Enquist, Jan Troell

País y año: Suecia-Dinamarca-Noruega-Alemania, 1996

Duración: 159 min.

Intérpretes: Max von Sydow, Ghita Norby, Anette Hoff, Sverre Anker Ousdal, Eric Hivju

Mencionar a Max von Sydow, casi siempre nos lleva a pensar en su participación en las películas de Ingmar Bergman. Sin embargo, traemos aquí una película del también sueco Jan Troell.

El film narra la vida del escritor noruego Knut Hamsun (1859-1952) ganador del Premio Nobel de Literatura de 1920, interpretado magistralmente, como no podía ser de otra manera, por Max von Sydow. Escritor muy polémico, porque apoyó la invasión nazi de Noruega, era un manifiesto y declarado admirador de Hitler, con quien tuvo incluso un encuentro personal, descrito en la película.

La posición ante el nazismo de Hamsun puede dar y da para muchísimos debates. Lo que es cierto es que se mantuvo fiel a su posición, incluso después de la guerra, lo que le causó el menosprecio general (de hecho, a pesar de haber ganado el Premio Nobel, no tiene ni una calle ni plaza con su nombre en toda Noruega). Mucho se discute sobre qué era lo que apoyaba verdaderamente en el régimen nazi, ya que se considera que desconocía el exterminio judío, y creía que la expansión alemana era algo bueno para Europa. Como se ve en la película, siempre defendía la independencia de Noruega (incluso ante el propio Hitler, lo que causó que dicho encuentro fuera bastante tenso). El film muestra que la auténticamente partidaria del nazismo era su esposa.

Maravillosa interpretación de Von Sydow, una de las mejores de esta su última etapa, otorgando al personaje, al mismo tiempo, la debilidad del cuerpo de un anciano, casi sordo, y la fuerza de sus convicciones, luchando por lo que él cree (ante su admirado Führer, si hace falta). Y un rasgo muy interesante, después de la guerra, con la derrota de los nazis, manteniendo la responsabilidad de sus actos y sus convicciones (con lo fácil que hubiera sido pasarse al otro bando), admitiendo que las personas cometemos errores. Como el propio protagonista dice en la película, él no ha matado a nadie, ni robado, ni incendiado nada.

Polémica figura la del escritor noruego, y también debatible el rechazo absoluto que le ha dado su patria, a uno de los mejores literatos europeos del siglo XX. 

Mala fe

Título original: Mauvaise foi

Director: Roschdy Zem

Guión: Pascal Elbé, Agnès de Sacy

Música: Souad Massi

País y año: Bélgica, 2006

Duración: 88 min.

Intérpretes: Roschdy Zem, Cécile de France, Jean-Pierre Cassel, Martine Chevallier, Pascal Elbé, Leïla Bekhti

Es muy interesante el acercamiento que esta cinta hace sobre el tema de la interculturalidad-inmigración. Su director y protagonista, Roschdy Zem, es hijo de inmigrantes marroquíes, pero nacido y criado en Francia. Sólo con conocer estos datos, podemos sospechar el trasfondo que nos muestra la película: una joven pareja (ella, judía; él, musulmán), conviven dichosamente en una ciudad europea.

Ellos se sienten contemporáneos y europeos, la religión no es ningún obstáculo; de hecho, no le dan demasiada importancia a unas convicciones religiosas en las que tampoco creen excesivamente.

El problema surge cuando ella se queda embarazada y piensan en casarse. Entonces, surgen de sus respectivos ámbitos (judío y musulmán) todos los prejuicios y cargas consabidos. Y la pacífica convivencia ya no será tan pacífica.

La calidad con la que la película trata este tema de gran actualidad es innegable, así como la desgarradora situación a la que se llega en cierto momento. Sin duda, una obra apreciable en la que confluyen, como en el protagonista (tanto en su vida real como en el personaje del film) ideas tanto de la inmigración norteafricana como de la Europa en la que vive, y a la que también pertenece.