Yaaba

Título original: Yaaba
Director: Idrissa Ouedraogo  
Guión: Idrissa Ouedraogo
Música: Francis Bebey
Fotografía: Matthias Kälin 
País y año: Burkina Faso, 1989
Duración: 90 min.
Intérpretes: Fatimata Sanga, Noufou Ouedraogo, Roukietou Barry, Adama Ouedraogo, Amadé Toure, Assita Ouedraogo

Parece que siempre que pensamos en África, se nos vienen a la mente las mismas cosas. Un pueblo en mitad del Sahel, como cientos de veces lo hemos visto en televisión. El cine de Burkina Faso es uno de los más consolidados del continente africano, y esta cinta es uno de los clásicos más importantes de la cinematografía de ese país.

La obra narra la tierna relación, en un pequeño poblado africano, entre un niño y una anciana, a la que los lugareños tachan de bruja y a la que achacan los males que les sobrevienen. La historia es sencilla, como el ambiente que les rodea. El director huye deliberadamente de las notas más desagradables, y la violencia, que también existe, aparece de una manera tenue.

El personaje de la anciana transmite una sensibilidad increíble. Marginada por el resto del poblado, logra crear un lazo de amistad con el pequeño Bila. De hecho, la palabra “Yaaba” significa abuela, y es como cariñosamente se refiere el niño a ella.

Todo: personajes, los maravillosos paisajes del Sahel africano, la vida del poblado que se nos trasmite a través de la obra, nos muestran un mundo lejano en el espacio (y quizás algo exótico) pero muy cercano, porque los sentimientos y el fondo del ser humano, es algo común y universal para todas las personas. Magnífica obra que nos recuerda el potencial de la cinematografía africana. 

Salvatore Giuliano

Título original: Salvatore Giuliano
Director: Francesco Rosi
Guión: Francesco Rosi, Suso Cecchi d’Amico, Enzo Provenzale
Música: Piero Piccioni
Fotografía: Gianni di Venanzo
País y año: Italia, 1962
Duración: 124 min.
Intérpretes: Frank Wolff, Salvo Randone, Federico Zardi, Pietro Cammarata, Fernando Cicero, Giuseppe Teti, Cosimo Torino

Biografía del célebre siciliano que da título a la obra, a medio camino entre el documental y la obra de ficción. Francesco Rosi nos ofrece una panorámica, con los datos objetivos que se tenían hasta entonces, de la vida, y sobre todo, de lo que rodeó a la muerte, de Salvatore Giuliano (1922-1950), conocido también por el apodo de Turiddu.

Giuliano fue un bandolero e independentista siciliano. En 1943 tuvo que echarse al monte, tras haber matado a un carabinieri. En esa época de finales de la Segunda Guerra Mundial y la invasión aliada del sur de Italia, Giuliano forma una banda que domina zonas de Sicilia. En el ambiente caótico de la posguerra, Giuliano es atraído por los ideales independentistas sicilianos, y su banda es largamente perseguida por las fuerzas del orden italianas, al tiempo que los lugareños lo ven como un “Robin Hood” que roba a los ricos para repartir entre los pobres.

Durante la celebración del primero de mayo de 1947, en Portella della Ginestra (Sicilia), se produce una masacre entre las familias que participaban en el evento. Las autoridades echan la culpa a la banda de Giuliano. En julio de 1950, aparece el cadáver de Salvatore Giuliano, presuntamente traicionado por uno de sus hombres. A pesar de las explicaciones oficiales, las desclasificaciones de documentos en los últimos años, llevan a una compleja trama, en la que parece que se incluyen las autoridades, la mafia, los servicios de inteligencia italianos, la CIA, etc.

La película narra de manera realista todas las circunstancias de este caso. Pero, posiblemente, lo que más impacte en el espectador, sea la visión de las condiciones de vida de la Sicilia rural de la época. La trama del caso de Salvatore Giuliano, conocidísima para el público italiano de la época, presenta algunos vacíos en la película, por lo que el espectador actual, especialmente si no está al tanto de los hechos, puede despistarse un tanto. Por lo demás, una magnífica película que permite adentrarnos en un momento concreto e interesantísimo de la historia siciliana. 

Caché

Título original: Caché
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke 
Música: Varios 
Fotografía: Christian Berger
País y año: Francia, 2005 
Duración: 117 min.
Intérpretes: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonsky, Bernard Le Coq, Salid Fakir, Daniel Duval

La polémica y la originalidad son características que siempre acompañan a las obras de Haneke. En este caso, nos hallamos ante una de sus obras quizás más convencionales, si es que este adjetivo puede aplicarse a alguna película de este director. En la cinta se tratan temas esenciales de las sociedades occidentales de la actualidad: la intimidad, los avatares de la vida cotidiana, los problemas conyugales cuando surgen ciertas circunstancias, el miedo a lo extraño, etc.  

Un matrimonio burgués, con una bonita casa en París, mantiene una vida completamente normal. Son exitosos, tienen un nivel de vida acomodado, él presenta un programa de televisión sobre literatura, son cultos y viajados… Parece una vida perfecta, hasta que un día les empiezan a llegar a la puerta unos anónimos paquetes, con cintas de vídeo. Las cintas contienen grabaciones de la puerta de su casa con las idas y venidas de los miembros de la familia. Alguien les está espiando.

En una situación tan tensa como esta, los problemas comienzan a resquebrajar la hasta entonces perfecta armonía familiar. No saben quién les está espiando ni para qué. Tienen un hijo adolescente y obviamente también temen por él.

Magnífica la sensación que Haneke provoca en el espectador: se mezclan la ansiedad, el desasosiego, la intranquilidad, la preocupación, la impotencia por no saber quién ni qué se halla detrás de esas grabaciones. Sin duda, destacan las interpretaciones de Auteuil y Binoche, dos de los mejores intérpretes del cine francés actual. 

Los santos inocentes

Título original: Los santos inocentes
Director: Mario Camus
Guión: Mario Camus, Antonio Larreta, Manuel Matji, basado en la novela de Miguel Delibes
Música: Antón García Abril
Fotografía: Hans Burmann
País y año: España, 1984
Duración: 107 min.
Intérpretes: Alfredo Landa, Francisco Rabal, Terele Pávez, Juan Diego, Belén Ballesteros, Agustín González, Ágata Lys, Manuel Zarzo, Mari Carrillo, José Guardiola

Magnífica adaptación de una magnífica novela de Miguel Delibes. Esta película constituye, por derecho propio, una de las mayores cimas del Cine español de las últimas décadas. La obra narra la vida en un cortijo extremeño durante la época franquista.

La Naturaleza y la vida de los humildes, son posiblemente, los dos temas principales, no sólo de esta película, sino de la obra literaria general de Delibes. Y este film ha logrado captar de una manera fidelísima y honda, el profundo amor por la Naturaleza, por la tierra y los árboles, así como por las gentes sencillas y trabajadoras que viven en el entorno natural, en este caso la dehesa extremeña.

La vida que se nos narra en esta obra es una vida durísima, con una división muy clara entre los que mandan y los que obedecen, con unas relaciones entre “señoritos” y criados que se retrotraen, en pleno siglo XX, a la servidumbre medieval. La tensión que se crea es tan grande, que su final no puede ser sino el que muestra la obra.

Las interpretaciones de Francisco Rabal y Alfredo Landa son, sencillamente, perfectas, antológicas. Muy pocas veces ha conseguido un actor llegar tan al fondo del alma de un personaje. En el entorno natural en el que viven, la figura de Azarías se mezcla de una manera magistral con el ambiente, con la Naturaleza, con los animales (recordemos su “Milana bonita”). Una película que, en definitiva, no puede sino hacer mella en quien la vea

El piano

Título original: The Piano 
Director: Jane Campion 
Guión: Jane Campion  
Música: Michael Nyman   
País y año: Nueva Zelanda, 1993  
Duración: 121 min.
Intérpretes: Holly Hunter, Anna Paquin, Sam Neill, Harvey Keitel, Kerry Walker

De algunas películas, lo que le queda al espectador no es precisamente el argumento o la trama, sino, como es en este caso, la banda sonora utilizada. La película El Piano es, en su mayor parte, eso, su banda sonora. Una música auténticamente maravillosa, principal protagonista del film (con permiso del piano al que alude el título).

Una de las principales, por no decir la más conocida, de las películas del cine neozelandés reciente. La historia de una mujer escocesa, que viaja a Nueva Zelanda porque le han obligado a casarse con un desconocido. Ella, que desde hace años no habla, se comunica y expresa sus sentimientos únicamente tocando el piano. El argumento tiene un cierto interés (ganó el Óscar al mejor guión original), y el espectador llega a sentir verdaderamente curiosidad por saber qué le ocurre a esta señora, sobre todo con ese marido que, primeramente, se niega a llevar a su casa el famoso piano, dejándolo en la playa (donde habían desembarcado todas las pertenencias).

El personaje de la mujer muda (por propia voluntad) tiene una fuerza dramática suficiente, y la interpretación es adecuada. Igual sucede con Harvey Keitel, que hace de vecino de ella, amante del piano y de la susodicha protagonista. La fotografía y los paisajes, quizás, superan incluso a los propios actores. Las vistas de Nueva Zelanda, con una vegetación desbordante y excesiva, con un clima lluvioso y siempre hostil, atraen muchísimo al ojo del espectador.

Y por lo que se refiere al oído, ya se ha señalado la banda sonora, compuesta por Michael Nyman, y ganadora de diversos premios internacionales. Las piezas de piano, especialmente el tema principal, son sinceramente maravillosas, inolvidables. Quedan para el recuerdo del espectador como algo inherente a la propia película, y merecidamente se ha instalado en esa serie de bandas sonoras cinematográficas que forman parte de nuestra vida y de la memoria del séptimo arte.

Sin novedad en el frente

Título original: All Quiet on the Western Front 
Director: Lewis Milestone
Guión: George Abbott, Del Andrews, Maxwell Anderson, basado en la novela de Erich Maria Remarque
Música: David Broekman 
País y año: USA, 1930 
Duración: 130 min.
Intérpretes: Lew Ayres, Louis Wolheim, John Wray, Arnold Lucy, Ben Alexander, Scott Kolk, Owen Davis Jr., Walter Browne Rogers, Slim Summerville, Rusell Gleason

En este año en el que conmemoramos el inicio de la Primera Guerra Mundial, recordamos una de las grandes películas que han tratado dicho conflicto bélico. Y es que, además de ser una auténtica obra maestra y un magnífico exponente del cine en blanco y negro, nos encontramos ante una de las mejores películas antibélicas que se hayan rodado jamás.

Basada en la novela del escritor alemán Erich Maria Remarque, la obra nos narra la vida de un grupo de jóvenes alemanes, que de manera entusiasta se alistan voluntarios en 1914 para ir a la guerra. Sin embargo, la vida en el frente es muy distinta a como uno se imagina sentado en el sillón de su casa. El sinsentido de la guerra, de matar a otros seres humanos (a los que normalmente ni siquiera se ve, porque están al otro lado de las trincheras), aflora en esta obra, donde los jóvenes se topan con un mundo de hambre, lucha, miedo y muerte.

La película, por supuesto, con su mensaje pacifista y antibélico, no pudo en su momento sino tener una acogida polémica. Los nazis boicotearon su estreno, y obviamente fue prohibida por el Tercer Reich.  

La visión de la Primera Guerra Mundial que nos ofrece esta película, es una de las más realistas. No hay que olvidar que contó con el asesoramiento y colaboración de auténticos veteranos del ejército alemán de dicha contienda.

Con un mensaje tan lleno de humanidad, con el trasfondo de uno de los conflictos más violentos de la Historia, y debido también a la calidad técnica del mismo, no es de extrañar la modernidad y actualidad de este film, a pesar de sus más de ochenta años de antigüedad. 

Promesas del Este

Título original: Eastern Promises
Director: David Cronenberg
Guión: Steven Knight
Música: Howard Shore    
País y año: Reino Unido, 2007   
Duración: 99 min.
Intérpretes: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Donald Sumpter, Josef Altin

Pocos comienzos como el de esta película provocan una inmersión tan brusca y violenta, en este caso en el brutal mundo de la mafia de Europa Oriental en Inglaterra.

La muerte de una adolescente rusa, hace que la enfermera que la atendió (interpetada por Naomi Watts), con la ayuda del diario de la joven, investigue y se adentre en el mundo de la mafia rusa. La violencia se nos aparece desnuda, de manera cruda, en el ambiente opresivo de un Londres un tanto diferente del que normalmente tenemos referencia.

La actuación de Viggo Mortensen, como Nikolai, el chofer del jefe mafioso ruso, resulta muy convincente. El veterano Mueller-Stahl, por su parte, también da muestras de su incuestionable capacidad interpretativa, en este caso, como Semyon, el (en apariencia) pacífico dueño de un restaurante, con un sórdido trasfondo. 

Gilda

Título original: Gilda
Director: Charles Vidor 
Guión: Marion Parsonnet 
Música: Hugo Friedhofer  
País y año: USA, 1946  
Duración: 110 min.
Intérpretes: Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleja, Steven Geray, Rosa Rey, Joseph Sawyer, Gerald Mohr

Pocas escenas hay más míticas en la Historia del Cine, que la de Rita Hayworth quitándose un guante, contoneándose al tiempo que canta Put the Blame on Mame (por cierto, en la película la canción fue grabada por otra cantante y Haywarth “sólo” hace playback).

La que nació como Margarita Cansino, con un padre natural del sevillano pueblo de Castilleja de la Cuesta, se convirtió en todo un icono con este papel. Una espada de doble filo: Gilda, que la elevó a lo más alto y convirtió en un mito, sería la referencia continua en una carrera posterior que iría a menos.

La película es un drama interesante, lindando con el cine negro, sostenida por el trío Hayworth-Ford-MacReady. Sus personajes se mueven en el Buenos Aires posterior a la Segunda Guerra Mundial, lugar de espías, casinos, juegos, asuntos turbios y amores no olvidados. 

Todos nos llamamos Alí

Título original: Angst essen Seele auf
Director: Rainer Werner Fassbinder
Guión: Rainer Werner Fasssbinder
Música: Peer Raben
País y año: Alemania, 1974
Duración: 93 min.
Intérpretes: Brigitte Mira, El Hedi ben Salem, Barbara Valentin, Irm Hermann, Elma Kazlova, Anita Bucher

La que fue rodada en apenas dos semanas, y que iba a servir simplemente para ejercitarse entre los rodajes de otras dos obras, se convirtió en una de las mejores películas del polémico director alemán. Fassbinder no tuvo una vida corriente, murió a los 37 años por sobredosis, con un fruto de más de cuarenta obras en apenas quince años, teniendo relaciones amorosas con personas de ambos sexos y retratando magistralmente la Alemania de su tiempo.

En Todos nos llamamos Alí, nos muestra el tema de la integración de las personas llegadas de otros países al país germano. En la película, Emmi, una viuda de unos sesenta años, que vive humildemente gracias a su trabajo como limpiadora, conoce casualmente a un inmigrante marroquí, Alí, treinta años más joven que ella. 

Entre los dos surge una buena amistad, se enamoran y se terminan casando. Los hijos de Emmi y su entorno social no aprueban esta unión y surgen las consabidas actitudes racistas. Asimismo, dentro de la inusual pareja surgirán diversas dificultades.

Estupendo retrato en el que se tratan diversos y polémicos temas, como el rechazo al otro, la inmigración, la ancianidad, el racismo, el choque entre culturas, etc. Magnífica la interpretación de Brigitte Mira como la anciana viuda (que le valió el Deutscher Filmpreis) y de El Hedi ben Salem (en esos momentos la pareja amorosa del director, Fassbinder) como inmigrante marroquí. 

Mediterráneo

Título original: Mediterraneo
Director: Gabriele Salvatores
Guión: Enzo Monteleone
Música: Giancarlo Bigazzi, Marco Falagiani
País y año: Italia, 1991
Duración: 90 min.
Intérpretes: Claudio Bigagli, Diego Abatantuono, Giuseppe Cederna, Ugo Conti, Gigio Alberti, Memo Dini, Vasco Mirandola, Vanna Barba

Lo bueno de la trama de esta comedia, es que al mismo tiempo es original, sencilla, y atrapa desde el primer minuto al espectador. El argumento no tiene nada rebuscado, y aún así esta sencillez hunde sus raíces en una historia sólida.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un pequeño grupo de soldados italianos es dejado en una islita griega, para que la custodien, debido a su presunto valor estratégico. Por diversas circunstancias (su barco se hunde, la radio es destrozada), estos soldados no van a poder tener contacto con el mundo exterior, y tendrán que adaptarse a vivir en la isla con la población lugareña.

Uno de los grandes valores de la película, es la caracterización de cada uno de los personajes de los soldados italianos. Cada cual tiene su personalidad, sus preferencias, y todos se acostumbrarán a vivir en ese lugar, como si fuera su propio hogar. Dejando de lado pequeñas diferencias culturales, todos los humanos tenemos en común mucho más de lo que parece. Y como indica el título, particularmente los pueblos del Mediterráneo (como italianos, griegos…) compartimos un pasado común, un sustrato cultural y una forma de ser que nos hace pueblos hermanos.

Con esta película, el italiano Gabriele Salvatores consiguió el Óscar a la mejor película en habla no inglesa, y diversos premios en Italia. 

Senderos de gloria

Título original: Paths of Glory
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick, Calder Willimgham, Jim Thompson
Música: Geradl Fried
País y año: USA, 1957
Duración: 97 min.
Intérpretes: Kirk Douglas, George MacReady, Adolphe Menjou, Ralph Meeker, Wayne Morris, Joe Turkel, Richard Anderson

En este mes de junio, tiene lugar el centenario del atentado de Sarajevo, hecho que propició el inicio de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Entre la filmografía sobre la Gran Guerra, una de las películas que podemos escoger es Senderos de gloria, de Stanley Kubrick.

Basada en la novela de Humphrey Cobb, el proyecto de este film tuvo problemas en sus inicios, y fue el propio Kirk Douglas (protagonista de la obra interpretando al coronel Dax) quien movió sus influencias para que llegara la financiación.

Esta obra constituye uno de los mayores alegatos pacifistas, y en parte está inspirada en hechos reales. Fue aquella Gran Guerra una guerra de trincheras y ataques suicidas, en los que los soldados caían masivamente ante las metralletas enemigas y que muchas veces terminaban en fracaso. Antes estas auténticas carnicerías humanas sin sentido, donde morían miles de personas, se dieron casos de lógicas insubordinaciones, que fueron castigadas como traición o cobardía.

En la Primera Guerra Mundial, muchas veces la ambición personal de los generales llevó a espantosos fracasos, en los que quienes verdaderamente tuvieron las de perder fueron los miles de soldados que murieron en el frente. Esto se narra en la película que nos concierne, en la que un consejo de guerra (ante uno de estos fracasos) juzga por cobardía a unos inocentes soldados.

Sin duda, hay que destacar las interpretación de Douglas como el coronel Dax y Adolphe Menjou como el general Broulard, así como la contraposición entre las trincheras donde malviven los soldados, y los salones palaciegos donde están los generales. 

M, el vampiro de Düsseldorf

Título original: M
Director: Fritz Lang
Guión: Thea von Harbou, Fritz Lang, Paul Falkenberg, Adolf Jansen
Música: Eduard Grieg
País y año: Alemania, 1931
Duración: 117 min.
Intérpretes: Peter Lorre, Gerhard Bienert, Otto Wernicke, Gustav Gründgens, Theo Lingen, Theodor Loos

Las calles no son seguras cuando merodea un desconocido asesino de niñas. El temor se apodera de todos, todas las madres tienen miedo de que a sus hijos les pueda ocurrir algo. Se desata la histeria colectiva, cualquiera podría ser el vil asesino y si un adulto se acerca a una niña, todos los ojos se posan en él, porque podría tratarse del criminal.

Las fuerzas del orden ponen todos sus medios para intentar atrapar al asesino. Los miembros del hampa, a quienes naturalmente molesta la abundante presencia policial, y a quienes también repugnan los despreciables crímenes contra las niñas, se ponen asimismo en marcha e inician una paralela persecución al asesino.

En esta, su primera película sonora, Fritz Lang crea una historia y un ambiente magistrales. Obra en la que se dejan sentir aspectos expresionistas, refleja ciertas sensaciones en las que se va presintiendo el surgimiento de la Alemania nazi (en 1933, la película es de 1931).

Pocos rostros más desasosegados y expresivos ha dado la Historia del Cine, que el de Peter Lorre, quien hace en esta película el papel protagonista de asesino psicópata, papel clave que lo lanzaría a la fama. Poco después, tras las elecciones de 1933 que dieron el poder a los nazis, Lorre, de familia judía, tuvo que huir de Alemania, y posteriormente iniciaría su carrera en los EEUU.

Magnífica película, que nos ha dejado, aparte de la interpretación de Lorre, escenas inolvidables, como el juicio por parte del hampa, o el asesinato (no visto directamente en la pantalla, sino intuido) de la niña Elsie Eckmann.

La vida de los otros

Título original: Das Leben der Anderen
Director: Florian H. von Donnersmarck
Guión: Florian H. von Donnersmarck
Música: Gabriel Yared, Stéphane Moucha
País y año: Alemania, 2006
Duración: 137 min.
Intérpretes: Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert

En la ópera prima de Florian von Donnersmarck, se nos sitúa en los últimos años de la República Democrática Alemana (RDA). La Stasi (Ministerio de Seguridad Estatal) era el servicio de inteligencia de este país comunista, y se caracterizó por su gran efectividad.

En “La vida de los otros”, nos muestran el ambiente opresivo de un país totalitario, donde todos y cada uno de nuestros pasos pueden ser espiados. Todos son espías en potencia, y cualquiera, hasta los más cercanos a nosotros, puede estar al servicio del régimen, investigándonos (la Stasi llegó a contar con cien mil agentes y doscientos mil informantes). En el argumento de la película, un oficial de la Stasi, el capitán Gerd Wiesler, espía a una pareja formada por un escritor y una actriz.

La actuación de Ulrich Mühe (quien murió al poco tiempo del estreno de la película) como el tenaz espía, es de las que no se olvidan. Y la realidad siempre superando a la ficción: la esposa de este actor, la actriz Jenny Gröllmann, fue colaboradora de la Stasi y espió a su propio marido durante su matrimonio, en los años ochenta.

Esta gran película fue galardonada con diversos premios, como el Óscar a la mejor película en habla no inglesa. 

Senso

Título original: Senso
Director: Luchino Visconti
Guión: Suso Cecchi d’Amico, Luchino Visconti, basado en la novela de Camillo Boito
Música: Anton Bruckner, Giuseppe Verdi
País y año: Italia, 1954
Duración: 117 min.
Intérpretes: Alida Valli, Farley Granger, Máximo Girotti, Rina Morelli, Marcella Mariani

Esta película es, en gran parte, precursora de la posterior “El gatopardo”, del mismo director. También aquí se refleja el ambiente de la Unificación Italiana (siglo XIX). Mientras que en la película de 1963 Visconti relataba el declive de la antigua aristocracia en el Reino de las Dos Sicilias, en “Senso” nos va a transportar a la Venecia ocupada por los austríacos (Reino Lombardo-Véneto).

“Senso” y “El Gatopardo” presentan no pocos puntos comunes. También en “Senso”, película basada en la novela de Camillo Boito, vamos a adentrarnos en el mundo de la aristocracia italiana, de la mano de Luchino Visconti (conde de Lonate Pozzolo), un aristócrata italiano, dirigiendo a la actriz Alida Valli, que por cierto, en la vida real también era baronesa.

Magnífico fresco histórico de la ocupación austríaca del norte de Italia. Muy útil para comprender el proceso de la Unificación. Casi lo de menos es la trama romántica entre la aristócrata italiana Livia y el oficial austríaco Mahler. Y para la Historia del Cine queda ese inigualable comienzo, con la representación en el teatro de La Fenice, de Venecia, de “Il Trovatore”, de Verdi, que sirve como excusa para que aflore el deseo de independencia italiana frente al invasor austríaco. 

Comandante

Título original: Comandante
Director: Oliver Stone
Guión: Oliver Stone
Música: Alberto Iglesias
País y año: España, 2003
Duración: 93 min.
Intérpretes: Fidel Castro, Oliver Stone

La película "Comandante" es una interesante aproximación a la figura de Fidel Castro y a su régimen en Cuba, por parte del polémico director estadounidense Oliver Stone (autor de Platoon, JFK: caso abierto, Nixon...). Este documental nos acerca a una importante figura de la Historia latinoamericana del siglo XX.

A través de una entrevista prolongada durante varios días, Castro va respondiendo a diferentes preguntas, sobre acontecimientos del pasado (la revolución cubana de 1959), el panorama internacional, e incluso algunas preguntas sobre el ámbito más privado del propio Castro. 

El silencio

Título original: Tystnaden
Director: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Música: Ivan Renliden, Bo Nilsson
País y año: Suecia, 1963
Duración: 95 min.
Intérpretes: Ingrid Thulin, Gunnel Lindblom, Jörgen Lindström, Hakan Jahnberg, Birger Malmsten

Como indica el título, el protagonista de la película es el silencio, que ocupa gran parte de la misma. En esas ocasiones, la falta de palabras hace a la situación mucho más desgarradora.

Bergman logra crear un clima realmente agobiante y asfixiante. La escena primera, en el tren, es de una gran maestría. En silencio, se nos van presentando a los personajes y a la sofocación que les rodea, y que estará presente en todo el filme. También en esta línea, el hotel muestra un mundo en el que todo es descarnado. Todo es simbólico, y en el ambiente tétrico y decadente, el que impera es el silencio

Y no solamente hay silencio por ausencia de palabras. El idioma extraño que nadie parece entender, es también una forma de silencio, porque los personajes no se entienden con quienes les rodean. Quizás quien hace mejor su papel es el niño. Inmerso en los odios de su madre y su tía, vive el ambiente asfixiante de una manera muy especial. Tanto en la forma de hablar como en la de moverse, deja en el espectador una peculiar sensación.

Y es que, en esta película, parece más importante la forma de moverse que las propias palabras. Las palabras no significan nada, porque nadie las entiende. Bergman hace en El silencio una obra sobre una forma de comunicación en la que no hay respuesta, sino sólo silencio, o peor aún, unas palabras que no se entienden. Esto, sin duda, se integra en la visión existencial y religiosa del magistral autor sueco. 

El cuarto mandamiento

Título original: The Magnificent Ambersons
Director: Orson Welles
Guión: Orson Welles, basado en la obra de B. Tarkington
Música: Bernard Herrmann
País y año: USA, 1942
Duración: 88 min.
Intérpretes: Joseph Cotten, Tim Holt, Dolores Costello, Agnes Moorehead, Anne Baxter, Richard Bennett, Ray Collins

Este es el segundo largometraje dirigido por Orson Welles, tras “Ciudadano Kane”, cumpliendo su contrato con la RKO. En él, se nos narra la historia de una familia pudiente norteamericana, entre finales del siglo XIX y principios del XX. La adaptación a los nuevos tiempos, la nueva clase emergente, la decadencia de una cierta burguesía, las tormentosas relaciones personales y familiares, todo forma parte de la trama de este film.

Si bien es cierto, que el resultado final que hoy vemos, no es exclusivo de Welles, debido a que el director tuvo que ausentarse al final del proyecto por diversos motivos (entre ellos un encargo cinematográfico del gobierno de F. D. Roosevelt) y por ello la productora pudo recortar unos cuarenta minutos del metraje original. Pero al fin y al cabo, se deja ver la mano del gran Orson Welles en este intenso melodrama familiar. 

Una habitación con vistas

Título original: A Room with a View
Director: James Ivory
Guión: Ruth Prawer Jhabvala, basado en la novela de E.M. Forster
Música: Richard Robbins
País y año: Reino Unido, 1985
Duración: 117 min.
Intérpretes: Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Denholm Elliot, Julian Sands, Simon Callow, Daniel Day-Lewis, Judi Dench, Patrick Godfrey, Rupert Graves

Adaptación correcta del clásico de E. M. Forster, en el que se nos narra la transformación en los sentimientos de la joven inglesa Lucy Honeychurch (Bonham Carter), durante unas vacaciones en Florencia.

Ivory realiza aquí una fiel versión de la novela. El retrato artístico de la ciudad de Florencia y de los campos de la Toscana es muy remarcable. A eso hay que añadir el correcto trabajo de los grandes actores que participan en este film, junto con la inolvidable banda sonora (el aria de Puccini, O mio bambino caro). 

U-Carmen e-Khayelitsha

Título original: U-Carmen e-Khayelitsha
Director: Mark Dornford-May
Guión: Mark Dornford-May, Charles Hazlewood, basado en la ópera de Georges Bizet
Música: Charles Hazlewood
País y año: Sudáfrica, 2005
Duración: 120 min.
Intérpretes: Pauline Malefane, Andile Tshoni, Zweilungile Sidloyi, Lungelwa Blou, Andiswa Kedama, Bulelwa Cosa

Otra vuelta de tuerca en la adaptación de una conocida ópera, en este caso, la famosísima “Carmen”, del francés Georges Bizet, basada a su vez en la obra de Prosper Mérimée. Muy interesante para el espectador, al trasladar el escenario de la obra, de la Sevilla de principios del siglo XIX, a los suburbios sudafricanos de la actualidad. Y en este aspecto, existe una íntima conexión, basada en gran parte en la marginalidad del ambiente y sus habitantes: ya se trate de los gitanos y contrabandistas españoles decimonónicos, o de los suburbios marginales con población de raza negra.

Por ello, si el espectador hace un mínimo esfuerzo, puede disfrutar sin que chirríe esta curiosa adaptación. En particular, hay que destacar a la actriz que interpreta a Carmen, cuya labor ensombrece, de alguna forma, al resto del reparto. Sin duda alguna, una película muy interesante. Por cierto, ganó el Oso de oro del Festival Internacional de Cine de Berlín. 

Moloch

Título original: Moloch
Director: Alexander Sokurov 
Guión: Yuri Arabov
Música: Vladimir Presov y Sergei Mochlov
País y año: Rusia, 1999
Duración: 103 min.
Intérpretes: Leonid Mozgovoy, Yelena Rufanova, Leonid Sokol, Yelea Spiridonova, Vladimir Bogdanov, Anatoli Shvedersky

La acción de esta película tiene lugar en Kehlsteinhaus, el famoso “Nido del Águila”, donde pasaban sus vacaciones Hitler y sus invitados. Durante la Segunda Guerra Mundial, Eva Braun está esperando en ese lugar a su amante, quien llegará con Goebbels y demás jerarcas nazis.

Esta película tiene la virtud de presentarnos la vida diaria de Hitler y otros personajes, en un momento importante de la Historia europea. Nos introduce en el entorno decadente y grotesco de un dictador decadente y grotesco. Las discusiones se suceden entre los diferentes invitados (Goebbels, Bormann…) en un ambiente de servilismo ante el Führer.

Se nos presenta un Führer megalómano, hasta cierto punto con conductas infantiles, que con su locura llevaría a Europa al desastre y la desgracia. Pero el marco que nos cuenta la película no es la guerra o los campos de concentración, donde se ve directamente la muerte de las personas, sino el palacete donde lleva a cabo su esparcimiento el dictador y sus aduladores.

No hay que olvidar que Moloch, en la religión fenicia, era el dios al que se le ofrecían sacrificios humanos. 

Sombras y niebla

Título original: Shadows and Fog
Director: Woody Allen 
Guión: Woody Allen
Música: Kart Weill
País y año: USA, 1991
Duración: 85 min.
Intérpretes: Woody Allen, Mia Farrow, John Malkovich, Madonna, Jodie Foster, Kathy Bates, John Cusack

Interesante homenaje de Woody Allen al cine expresionista alemán de los años treinta del siglo XX. Con una clara influencia de la magistral “M, el vampiro de Düsseldorf” (1931), de Fritz Lang, esta cinta nos narra la historia de una noche por las sombrías calles de una ciudad centroeuropea. Un enclenque personaje, interpretado cómo no por Allen, se ve abocado, a su pesar, a tener que perseguir a un enigmático asesino. Ni que decir tiene que se irá topando con personajes y situaciones a cuál más raro e inquietante.

Destaca esta película, en blanco y negro, por lo original de su concepción y puesta en escena, dentro de la filmografía de Woody Allen. Encuadres, personajes y sensaciones que nos retrotraen al cine expresionista, a los que se añade el particular sentido del humor del director neoyorkino. Un ambiente con ciertos rasgos kafkianos, en el que Kleinman (Allen) tendrá que buscar al misterioso asesino, sin saber muy bien cómo. 

La flauta mágica

Título original: Trollflöjten  
Director: Ingmar Bergman   
Guión: Ingmar Bergman, basado en el libreto de Emanuel Schikaneder    
Música: Wolfgang Amadeus Mozart    
País y año: Suecia, 1974   
Duración: 135 min.
Intérpretes: Joseph Köstlinger, Irma Urrila, Hakan Hagegard, Ulrik Cold, Birgit Nordin

¿Se trata esta obra de la filmación de una ópera, o de la “operización” de una película? Precisamente, este difícil deslinde y ambigüedad es uno de los valores positivos de esta cinta de Ingmar Bergman, creada para la televisión sueca. Si bien es cierto que en diversas ocasiones se han llevado óperas a su versión cinematográfica, normalmente en esos casos la propia obra musical se transforma en film, adquiriendo otro carácter. El ejemplo contrario sería la mera grabación de una representación operística.

Pero esta obra del genial director sueco, no es nada de eso. “La flauta mágica” de Mozart, y “La flauta mágica” de Bergman, aunque levemente, son dos distintos entes. En ocasiones, el film nos muestra de manera clara que se trata de una representación teatral con unos actores que son actores, distanciándose de este modo del original mozartiano. En otros momentos, la realidad del film es la realidad de la ópera.

Bergman era tanto un hombre de teatro como un hombre de cine. La película es una invitación al público para adentrarse en la mozartiana “La flauta mágica”, y cuanto sirva para acercarse es bienvenido: incluso se utiliza el idioma sueco (el del público al que iba dirigido originalmente la película) en vez del alemán del libreto, para que pueda comprenderse mejor. Se trastocan de posición algunas escenas. Con todo esto se consigue cautivar al espectador, que se siente atraído del principio al fin por la maravillosa música y por la trama. En pocas ocasiones puede verse una ópera de esta forma, y de una manera tan natural.

La escenografía (intencionadamente teatral) y la utilización de las luces y sombras (tan ligada al asunto de la obra) descubren al inmenso cineasta. Colaboran en ello un elenco de buenos actores, que sin ser excesivamente famosos, encarnan sus papeles de una manera muy convincente. Si a ello añadimos la música que compusiera Mozart, poco más se puede pedir. 

La tapadera

Título original: The Front

Director: Martin Ritt

Guión: Walter Bernstein

País y año: USA, 1976

Duración: 94 min.

Intérpretes: Woody Allen, Zero Mostel, Herschel Bernardi, Michael Murphy, Lloyd Gough, Remak Ramsay

Estupenda película, que describe la época de la caza de brujas en Hollywood. En los EEUU de los años cincuenta, numerosos profesionales del cine fueron acusados (injustamente) de deslealtad o traición a la patria (sin un proceso legal justo). Y acabaron en “listas negras”: estar incluido en ellas equivalía a no poder trabajar.

De todo ello da buena cuenta esta película, en la que unos guionistas, que están en la lista negra, deben recurrir a un testaferro (interpretado por Woody Allen) que será quien figure como autor.

Sin embargo, esta película da un paso más, y es que en su elenco cuenta con personas que estuvieron realmente en las referidas listas negras durante el macarthismo: desde el propio director Martin Ritt (acusado de que había donado dinero a los comunistas), hasta actores como Zero Mostel. Esto nos da una nueva clave para comprender su interpretación. 

Un día en las carreras

Título original: A Day at the Races

Director: Sam Wood

Guión: Robert Pirosh, George Seaton, George Oppenheimer

Música: Walter Jurmann, Bronislau Kaper, Franz Waxman

País y año: USA 1937

Duración: 111 min.

Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Margaret Dumont, Allan Jones, Maureen O’Sullivan, Sig Ruman

La segunda (y última) colaboración del productor Irving Thalberg (y su director Sam Wood) con los Hermanos Marx. Y se nota la mano de ese gran productor (uno de los mejores de la Historia) porque fruto de ella fueron estas dos películas (la otra, “Una noche en la ópera”), que para muchos son las dos cumbres de los Hermanos Marx.

Y es que era difícil poner algo de cordura en ese bendito desorden de los hermanos neoyorkinos. Numerosos gags, cada uno más hilarante que el anterior, que conforman esta película en la que Groucho y compañía intentan ayudar financieramente a la joven propietaria de un pequeño hospital. Aunque los números musicales alarguen demasiado la película y no aporten mucho, sigue siendo una estupenda obra llena de alguno de los mejores chistes de estos Hermanos. “En realidad soy veterinario, pero cásate conmigo y ya no miraré a otro animal”. 

El verdugo

Título original: El verdugo

Director: Luis García Berlanga

Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga, Ennio Flaiano

País y año: España, 1963

Duración: 87 min.

Intérpretes: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, Alfredo Landa, Antonio Ferrandis, Lola Gaos, José Luis López Vázquez

Dice el personaje que interpreta José Isbert: “si existe la pena de muerte, alguien tiene que aplicarla”. Esto nos introduce en la crítica, que hacen Berlanga y Azcona, de la España de ese momento y de la pena de muerte. En esa España en la que aún existe la pena de muerte, ésta se nos muestra como algo burocráticamente normal, pero al mismo tiempo tabú. Hipocresía de una sociedad que no reprueba la pena capital, pero que rechaza al personaje del verdugo.

Magníficas interpretaciones de José Isbert como el verdugo anciano que se va a jubilar, y de Nino Manfredi, como su yerno, que a regañadientes acepta el puesto que con tanto esfuerzo su suegro le consigue. También hay que señalar el resto del magnífico elenco de la obra. 

Una de las mejores películas del cine español, que retrata como pocas esa sociedad en blanco y negro.